The Marmalade y su éxito reflexiones de mi Vida

The Marmalade es un grupo de música pop rock de Glasgow (Reino Unido), formado originalmente en 1961 como los Gaylords, y algo más tarde como Dean Ford and the Gaylords. En 1966 cambiaron el nombre del grupo a The Marmalade. El periodo del grupo de más éxito, en términos de éxito en las listas de Reino Unido, fue entre 1968 y 1972. Desde principio de los años setenta, después que los miembros originales comenzaron a irse del grupo, la banda evolucionó con algunos cambios y a día de hoy sigue girando en circuitos que gustan de la nostalgia. Con la salida de Graham Knight, en septiembre de 2010, el grupo ya no tiene ningún miembro de la formación original.

Los Gaylords (así llamados por la notoria banda callejera de posguerra Chicago Gaylords) se formaron originalmente por Pat Fairley y Billy Johnston en Baillieston, un suburbio del Este de Glasgow, en 1961. Su formación original incluía a Tommy Frew (batería), Pat McGovern (guitarra principal) y Wattie Rodgers (voces). William Junior Campbell se unió en su 14 cumpleaños, el 31 de mayo de 1961, para reemplazar a McGovern, y Rodgers también fue reemplazado, inicialmente por dos nuevos cantantes principales, Billy Reid y Tommy Scott, si bien Reid abandonó pronto, dejando a Scott como único lider. Bill Irving, del grupo de Baillieston The Cadillacs, se encargó de las labores de Johnston al bajo.

El grupo comenzó a ganar popularidad y en 1963 Thomas McAleese (que había adaptado el nombre artístico de Dean Ford) reemplazó a Scott como voz principal. Así fue como se convirtieron en Dean Ford and The Gaylords. Raymond Duffy, del grupo de Glasgow The Escorts, se unió a la batería tras la partida de Frew. Por unos meses tuvieron un organista, Davey Hunter. A principios de 1965, Graham Knight, del grupo local The Vampires, sustituyó a Irving al bajo

.Confirmando su popularidad en Escocia, y con Billy Grainger como manager, a principios de 1964 fueron defendidos por el periodista musical escocés Gordon Reid, lo que los llevó a firmar un contrato para Columbia (EMI) por Norrie Paramor tras algunas audiciones en el Locarno Ballroom de Glasgow. Se fueron a grabar cuatro sencillos, incluyendo una versión del éxito de 1963 de Chubby Checker «Twenty Miles», que vendió bien a nivel local pero no consiguió introducirse en la lista de éxitos musicales nacional.¹​ Las ediciones de Columbia, aunque no viene así acreditado, fueron producidas por Bob Barratt, productor de la plantilla de EMI, con Norrie Paramor como productor ejecutivo. Paramor tocó la celesta en «What's The Matter With Me», la cara B de «Twenty Miles».

Aunque el grupo estaba bien visto en Escocia y a pesar de ser nombrados 'Mejor grupo de Escocia', decidieron probar éxito en el Reino Unido.¹​

En 1965 tocaron una larga temporada por Alemania en el Storyville de Colonia y también en Duisburgo, antes de mudarse a Londresdonde cambiarían tanto de mánager como de agencia de representación, debido a que Grainger decidió permanecer en Escocia.

ambio de nombre y la época CBS[editar]

Por recomendación de The Tremeloes, que los habían visto en Escocia, The Gaylords fueron invitados a unirse a la agencia radicada en Londres Starlite Artistes, que pertenecía a Peter Walsh. Comenzaron entonces a forjarse una reputación en los clubes como banda cercana y de armonía cerrada y en 1966, encontrándose en el medio de la escena de la swinging London de los años sesenta, decidieron cambiar su imagen e instrumentación. Con el consejo de su nuevo mánager, cambiaron el nombre del grupo a The Marmalade, y quitando luego el «The».¹​ Inusualmente, tuvieron dos bajistas, Graham Knight con un bajo eléctrico normal de 4 cuerdas y Pat Fairley con un bajo de 6 cuerdas (Fairley había dejado la guitarra rítmica que era estándar en las bandas de rock de principios de los [[años 1960|sesenta).

Con su contrato con la EMI Columbia llegando a su fin, Walsh con la ayuda de John Salter, su agente de talentos, consiguió un contrato para la CBS Records con el productor Mike Smith, ques estaba teniendo un gran éxito con The Tremeloes, ahora compañeros de agencia. Pero sus primeros sencillos para la CBS también fallaron en lograr entrar en las listas de éxitos en el Reino Unido. El batería Ray Duffy (que más tarde tocaría con Matthews Southern Comfort y Gallagher and Lyle) dejó el grupo en 1966 para regresar a Escocia y casarse justo después de su primer lanzamiento con CBS, «Its All Leading up to Saturday Night». El excartero Alan Whitehead se convirtió en su nuevo batería, debutando en el siguiente sencillo del grupo, «Can't Stop Now», que no tuvo buenas ventas a pesar de tocarla en el programa de televisión The Fantasist,²​ escrito por Alun Owen para la serie Theatre 625 de la BBC Two. Su tercer sencillo para la CBS, escrito por Campbell y Ford, «I See The Rain», fue considerado por Jimi Hendrix como «la mejor canción de 1967».¹​ Se convirtió en un éxito en Holanda ese mismo año. Graham Nash de The Hollies contribuyó a la sesión, pero no llegó a entrar en las listas de Reino Unido a pesar que el tema, con su feeling distintitivo de los años sesenta, ha alcanzado ya un estatus de culto y ha sido recuperada recientemente por artistas como Susanna Hoffs de The Bangles y Matthew Sweet en su disco conjunto de 2006 Under the Covers, Vol. 1.

El 19 de enero de 1967 fue un punto y seguido en el progreso de la banda, cuando hicieron su debut en el Club Marquee de Londres, donde telonearon a Pink Floyd.³​ Dos semanas después, el 3 de febrero de 1967, fueron teloneros de The Action. Tras esto, nunca volvieron a ser teloneros de nadie en el Marquee y el 16 de marzo de 1967 comenzaron una larga estancia en el club, que los llevó al Otoño del año siguiente, creándose una reputación y consiguiendo cierto seguimiento,¹​ logrando girar con The Who, Joe Cocker, Traffic, Gene Pitney y The Tremeloes. El cúlmen llegó en la aparición veraniega en el Windsor Jazz and Rock Festival de 1967, precediendo directamente en el escenario a Jerry Lee Lewis.⁴​

CBS, preocupados por la falta de éxito comercial del grupo, amenazaron con despedirles si no tenían ningún éxito. Por lo que tras el fallo de otro sencillo escrito por ellos ese mismo año, «Man in a Shop», se les urgió a grabar material más orientado a las listas. Rechazaron «Everlasting Love», que se convirtió en #1 para el grupo Love Affair, pero por presión grabaron «Lovin' Things», escrito por Artie Schroeck y Jet Loring en 1967 y arreglado por Keith Mansfield para Marmalade. Llegó al #6 en la lista de éxitos del Reino Unido en el verano de 1968.⁵​ Este tema fue versionado por The Grass Roots en los Estados Unidos en 1969, usando prácticamente los mismos arreglos. El álbum debut de Marmalade, There's A Lot Of It About, incluía algunos de sus sencillos y alguna versión de canciones populares, y fue editado en 1968. Marmalade además hizo un cameo al aparecer en la pantalla grande en la película Subterfuge⁶​ ese mismo año.

Tras un éxito menor con su siguiente sencillo «Wait For Me Mary-Anne» (escrito por Alan Blaikley y Ken Howard), que llegó al #30, consiguieron su mayor éxito en Reino Unido con la versión de The Beatles «Ob-La-Di, Ob-La-Da», que llegó al #1 en enero de 1969.¹​ Como primer grupo escocés en llegar a ese puesto en la lista,⁷​ en la semana en la que llegaron a la cumbre, lo celebraron con una aparición en el programa musical de la BBC One Top of the Pops vestidos con kilts. Su versión de «Ob-La-Di, Ob-La-Da» vendió alrededor de medio millón de copias en Reino Unido, y llegaron a un millón de copias en abril de 1969.⁴​ A este siguió otro éxito, «Baby Make It Soon» (escrito por Tony Macaulay), que llegó a #9 en el verano de 1969.⁵​

En febrero de 1969, el grupo apareció en el programa insignia de la BBC, Colour Me Pop (precursor del programa The Old Grey Whistle Test) con una actuación de media hora. Aparecieron también en la revisión de la escena musical de los sesenta Pop Go The Sixties, tocando Ob-La-Di, Ob-La-Da en directo en la retransmisión para la BBC 1 de la Nochevieja de 1969.

La época Decca

En noviembre de 1969 el grupo firmó para Decca Records por el director de A&R de Decca, Dick Rowe. Bajo un contrato que les permitía escribir y producir sus propias canciones, en su primera sesión de grabación para Decca, grabaron el que sería su mayor éxito mundial.¹​ Llegó al #1 en las listas de Europa (así como estuvo entre los 10 primeros en Estados Unidos y fue #1 en casi toda América Latina), "Reflections of My Life", escrita por Campbell y Ford,⁸​ incluía a un solo de guitarra ejecutado por Campbell pero con la técnica de [[backmasking|mensaje al revés."Reflections of My Life" ha vendido más de dos millones de copias, y los compositores fueron galardonados con la Special Citation of Achievement en 1998 por la BMI como consecuencia de actuaciones en la radio, más de un millón solo en Estados Unidos.⁹​

Otros éxitos del grupo en Reino Unido para Decca incluyen "Rainbow" (#3 - #51 en Estados Unidos) y "My Little One" (#15).,¹​ "Cousin Norman" y "Radancer" (ambos llegaron al #6).Su mánager, Peter Walsh, fue un empresario pop entre los años sesenta y setenta cuya cartera incluía a The Tremeloes, Bay City Rollers, Billy Ocean, The Troggs y Blue Mink. Su primer álbum para Decca, Reflections Of The Marmalade, se editó en Estados Unidos bajo el título de Reflections Of My Life por la subsidiaria de Decca London Records. Durante este periodo los sencillos estadounidenses se publicaron también en Londres. Pero el mánager, Walsh, declinó una oferta para girar como teloneros para Three Dog Night, evitando la posibilidad de una mayor repercusión allí.^{[cita requerida]} Para ser justos con Walsh, le preocupó mucho el hecho de que Marmalade habría tenido que pagar una prima sustancial de dólares para hacerlo - una práctica usual en Estados Unidos pero totalmente ajeno a las práticas de gestión que Walsh tenía en Reino Unido.^{[cita requerida]}

Tras la marcha de Junior Campbell, coautor de gran parte del material original con Ford, en marzo de 1971 para seguir su propia carrera en solitario y estudiar orquestación y composición en el Royal College of Music,¹⁰​ comenzaron una serie de cambios en la formación, incluyendo la pérdida de su batería, Alan Whitehead.¹​

Marmalade reclutó como guitarrista a Hugh Nicholson, un ex-miembro de The Poets,¹​ para reemplazar a Campbell, y tras el primer lanzamiento sin Campbell, «Cousin Norman», fue Nicholson el que insistió en echar a Whitehead y cambiarlo por su amigo y colega de The Poets, Dougie Henderson.^{[cita requerida]} Esto causó que el grupo tuviese mala publicidad en el periódico inglés News of the World tras que un agriado Whitehead les diese varias experiencias de la banda con las groupies.¹​

Marmalade editó Songs en noviembre de 1971, con Nicholson acreditado como compositor de muchas de las canciones, que no llegaron a tener más que un éxito limitado. De todas formas, Nicholson escribió dos de sus últimos éxitos, «Cousin Norman» (con los arreglos de Junior Campbell para los instrumentos de viento-metal) y «Radancer», así como el éxito menor «Back on the Road», en el que él canta las voces principales.¹​ Pat Fairley dejó la banda aproximadamente en 1972 para encargarse de la compañía editorial musical del grupo, así como Nicholson, desalentado por el fracaso de su álbum Songs, dejó el grupo en 1973 para formar Blue(no confundir con la boy band posterior con el mismo nombre, Blue). Ford, Knight y Henderson continuaron con Marmalade. Nicholson fue eventualmente reemplazado por Mike Japp, un guitarrista de rock del grupo galés Thank You.¹​

El grupo volvió a EMI donde editó un nuevo sencillo, «Wishing Well». Knight dejó el grupo durante la grabación de su siguiente álbum, Our House Is Rocking (que fue aplazado hasta el Otoño de 1974), y el grupo fue durante un breve periodo un trío, hasta que Joe Breen (ex-Dream Police) se unió como bajista. Evitando tocar muchos de los antiguos éxitos del grupo, la banda cayó lentamente en un parón.

1975-1978

En 1975, Knight se unió con el batería original Alan Whitehead para formar 'Vintage Marmalade' con Sandy Newman (voces, guitarra, teclados) y Charlie Smith (guitarra). Se unieron con su viejo manager, Peter Walsh, para tocar en directo todos sus éxitos y tener una hoja de fechas repleta.¹​

Más tarde en 1975, tras que Ford y los miembros que quedaban diesen el grupo por terminado, Knight y Whitehead recuperaron el nombre de Marmalade con una nueva formación, encabezada por Newman.¹​¹¹​ Firmaron un contrato con Target Records, de Tony Macaulay, y en 1976 consiguieron el que sería su último top 10 con la canción escrita por Macaulay, «Falling Apart at The Seams».¹²​ Los siguientes sencillos fallaron en las listas.¹​ Uno de ellos fue «Talking In Your Sleep», producido por Roger Greenaway y editado en enero de 1978, seis meses después de la versión de Crystal Gayle de la misma canción, por la que fue mundialmente conocida.

Sandy Newman (ex-The Chris McClure Section, 1968-1970) continuó como lider de Marmalade hasta noviembre de 1973, editando los siguientes once sencillos en el Reino Unido (excluyendo re-ediciones), siete de los cuales se editaron via Target Records, ninguno de los cuales entró en las listas británicas ni estadounidense, y hoy día continua en el circuito nostálgico tocando todo el repertorio exitoso del grupo.

Charlie Smith salió en 1977 para unirse a Nicholson en Blue, y Garth Watt-Roy vino brevemente para el álbum Only Light On My Horizon Now, antes de dejarlo para unirse a los Q-Tips en 1978. Fue reemplazado por el guitarrista Ian Withington, que apareció con Knight, Newman y el nuevo batería Stu Williamson para el siguiente álbum, Doing It All For You (1979).

Alan Whitehead dejó el grupo en 1978 para llevar otros grupos y cantantes pop, cosa que sigue haciendo a día de hoy. Apareció también en la serie de TV de 2010 Take Me Out y poseyó un club de «baile de regazo».^{[cita requerida]}

Los años siguientes[editar]

Charlie Smith volvió en 1980. como batería en esta ocasión. Alan Holmes (voces, guitarras, teclados), miembro fundador del grupo de Bristol Federation, sicedió a Withington. En el álbum de 1980, solo editado en Estados Unidos, Marmalade, para G&P Records, incluía material re-grabado de las épocas en Decca, EMI y Target Records, así como algunas canciones firmadas por Junior Campbell. Otro álbum sin éxito, Heartbreaker, se editó en el Reino Unido en 1982 para la discográfica Spectra. Graham Knight se mantuvo con el grupo girando en el circuito de nostalgia con Newman, Smith y Alan Holmes. En 1982, Glenn Taylor sustituyó a Smith en la batería, si bien Smith volvió de 1989 a 1998, antes que Taylor se convirtiese en miembro permanente. Knight permaneció como único miembro original hasta septiembre de 2010. Dave Dee comenzó a aparecer como cantante invitado en 1987 y grabó un sencillo con el grupo, «Scirocco», en 1989. Siguió haciendo de invitado en los directos, hasta su muerte en 2009.

En abril de 2010, el batería Taylor abandona la formación para unirse a The Fortunes y Knight hace lo propio en septiembre de 2010. Los nuevos integrantes serían Damon Sawyer y el bajista Mike Steed. En 2011, el guitarrista y vocalista John James Newman se unió, haciendo que el grupo volviera a ser un quinteto.

Dean Ford fue uno de los muchos vocalistas principales que contribuyó con The Alan Parsons Project. Su último trabajo en el mundo de la música fue en 1991, en el tiempo que estaba viviendo en Estados Unidos. Retirado de la industria musical, se asentó en Los Angeles (tras un pequeño periodo en Nueva York) y trabajó como conductor de limusinas. Recientemente ha vuelto a activar su carrera musical, editando un sencillo llamado «Glasgow Road» con Joe Tansin (ex-Badfinger) en 2012.

Pat Fairley tiene a día de hoy un bar llamado Scotland Yard, también en Los Angeles.

Junior Campbell se convirtió en exitoso músico, compositor de canciones, televisión y películas, productor discográfico y arreglista, y vive en Sussex.

En 2011 se editó Fine Cuts – The Best Of Marmalade para la discográfica Salvo (SALVOMDCD26), un álbum doble que contiene todo el material original de estudio entre 1966 y 1972, incluyendo sus éxitos.

Ojala de Silvio Rodríguez

Ojalá es una canción de desamor de Silvio compuesta el 23 de diciembre de 1969 y publicada en el disco “Al final de este viaje” del año 1978. Está dedicada a Emilia María Sánchez Herrera, una muchacha que fue algo así como el primer amor de Silvio, cuando él estaba aún en el ejército haciendo el servicio militar. Silvio tenía 18 años y según propias palabras del aprendiz, fue su primer amor importante en el sentido de que fue el primero que le enseñó cosas, que le incorporó cosas buenas. Era una muchacha mucho más evolucionada que él, mucho más inteligente, más culta (palabras del propio Silvio). Le enseñó, por ejemplo, a conocer a César Vallejo, que ella adoraba.

Es una de las canciones más populares de Silvio y además está rodeada de muchos rumores e interpretaciones erróneas que la hacen más sabrosa aún en el mundo silvista. Sin embargo es sólo una canción de amor/desamor a una mujer: Emilia.

Parafraseando las palabras del mismo Silvio, después se tuvieron que separar. Ella se tuvo que ir, estaba estudiando medicina. Dejó la carrera porque siempre fue más de las letras. Hoy en día es profesora de filología, y se fue a Camagüey a estudiar. Silvio se quedó en La Habana, totalmente desolado y pasaron los años (5 para ser exactos) y el recuerdo de aquel amor tan bonito, tan productivo, tan útil -¡ojo, no confundir con utilitario!- lo tenía obsesionado. Fue además un amor tronchado por las circunstancias de la vida, no fue cosa que se agotara. Y se le quedó un poco ese fantasma detrás. Por eso es que compuso esta canción “Ojalá”, quizás en un momento de delirio, de arrebato, de sentimiento un poco desmesurado, “Ojalá esto, ojalá lo otro”. El recuerdo era tan vivo en el año 69-70 que lo llevó a hacer otras canciones como Te doy una canción, por eso que dice: “¡Cómo gasto papeles recordándote, cómo me haces hablar en el silencio…!”. Es la misma protagonista. Hay otras canciones dedicadas a Emilia, como una que se llama “Emilia” y otra “Josah, la que pinta”.

Ojalá

“Ojalá que las hojas no te toquen el cuerpo
cuando caigan
para que no las puedas convertir en cristal”

La primera palabra de la canción es la de su propio título. El tema se plantea como deseos, con un ojalá que entiendo en árabe significa “Si Dios quisiera” (No “quiera Dios”), desearía que esto, desearía que esto otro, como una intención, tiempo condicional. Pensemos en esta imagen: la de Emilia posada bajo un árbol, quizás en otoño, y las hojas comienzan a caer lentamente sobre ella. Entonces Silvio se dirige a ella y le canta esta primera estrofa anterior. Desearía que las hojas que caen de los árboles no te toquen, ya que si lo hacen las convertirás en cristal. Como si Emilia fuera un ángel que todo lo que toca lo convierte en algo bello, prístino y puro.

“ojalá que la lluvia deje de ser milagro
que baja por tu cuerpo”

Siguiendo el patrón que enfrenta a elementos de la naturaleza vs Emilia, Silvio ahora suma a la lluvia. Entonces la escena cambió y ahora tenemos a Emilia bajo la lluvia, no bajo un árbol. Silvio le desea al agua de la lluvia que baja por el cuerpo de Emilia que deje de ser un milagro ¿Por qué la lluvia bajando por el cuerpo de ella es un milagro? Porque Silvio le atribuye un carácter divino al elemento agua bajando por la piel de Emilia. La sigue sublimando.

“ojalá que la luna pueda salir sin ti,
ojalá que la tierra no te bese los pasos.”

A esta corta altura de la canción, ya Emilia está elevada a nivel de una deidad, en donde ojalá que la luna sea capaz de asomarse sin su presencia, en donde ojalá que la tierra sobre la que pisa se resista a acariciar con sus labios los pies de la muchacha. Repito, es la naturaleza postrada ante la presencia de esta mujer. También es un celo de Silvio de que la tierra la bese.

“Ojalá se te acabe la mirada constante,
la palabra precisa, la sonrisa perfecta.”

En el coro de la canción hay un pequeño giro. Si se lee por encima, sin comprender por supuesto, se podría caer en la trampa de que se está deseando la muerte de Emilia, lo cual es un poco así, pero en el sentido espiritual, del recuerdo. Silvio desea que esta añoranza de Emilia desaparezca, su mirada, su sonrisa (perfecta), su PALABRA PRECISA. Me imagino que tanto lo que ella decía como lo que escribía era de una connotación muy importante para Silvio, y que él admiraba por completo. Han de haber tenido unas conversaciones intelectuales supremas.

Y es que Silvio admiraba mucho a Emilia, intelectual y espiritualmente, y él desea que deje de ser tan perfecta en su cabeza, para poder olvidarla y enfocarse en cosas nuevas.

“ojalá pase algo que te borre de pronto:
una luz cegadora, un disparo de nieve,
ojalá por lo menos que me lleve la muerte,
para no verte tanto, para no verte siempre,
en todos los segundos en todas las visiones,..”

En esta última parte del coro Silvio pone de manifiesto el deseo de olvidarla, que pase alguna cosa que la borre. Pero no algo terrible para Emilia. Silvio usa dos acciones que son inofensivas: el encandilamiento de una luz que te da directo en los ojos (luz cegadora) y el que te lancen una bola de nieve en la cara (disparo de nieve). Y aquí debo detenerme para refutar el rumor (o bobería como le dice Silvio a este comentario) de que la canción dice: un disparo de nievi (no nieve). Nievi se dice que fue el apodo de Vasili Zaitsev, un francotirador Soviético de la Segunda Guerra Mundial que durante la batalla de Stalingrado acabó con la vida de 242 soldados alemanes, entre ellos francotiradores y oficiales de alto rango, por lo que es considerado uno de los “mejores” francotiradores de la historia. También se comenta que Nievi es el nombre de un antiguo fusil ruso. Sin embargo esto no tiene ningún sentido ni en el contexto de la canción, ni en la rima, ni en nada. ¿De dónde surgió esta falsedad? Da lo mismo, pero quiero dejar claro que no es así. Silvio no le desea la muerte a Emilia, sino que a él mismo. “Ojalá por lo menos que ME lleve la muerte”. Es capaz de sacrificarse él mismo para que se acabe la angustia, pero no a Emilia, porque la como él dice, la ve en todo lo que él hace, el algo enfermizo y atormentador.

Hay quienes se engañan y tergiversan el texto poniendo que dice “que TE lleve la muerte” para sostener que la canción en realidad no es de amor sino que está escrita en contra de algún personaje desagradable, como cierto dictador al ya que me referiré. Si alguna vez escuchan o leen a una persona que dice eso, si la persona es sensata pueden explicarle. Si no, pueden ignorar porque la estupidez no entiende.

“...ojalá que no pueda tocarte ni en canciones.”

Finaliza el coro diciendo que ojalá no la pueda tocar ni en canciones. Hace poco salió un documental titulado “Ojalá” en el que Silvio está en los estudios Ojalá escuchando la versión original de la misma canción y en esta parte Silvio se rie mucho, ya que es paradójico que diga que no pueda tocarla ni en canciones en el texto de una canción precisamente dedicada a ella.

“Ojalá que la aurora no dé gritos que caigan en mi espalda,
ojalá que tu nombre se le olvide a esa voz.”

La aurora es el amanecer, la diana. Cada vez que amanece y aparece la primera claridad en la mañana Silvio se despierta con el recuerdo de ella retumbándole en la cabeza. Ojalá que el nombre “Emilia” deje de bombardearle el cerebro. Hay una vocecilla que se lo repite en cada instante, en cada visión.

“ojalá las paredes no retengan tu ruido de camino cansado…”

Silvio indica que Emilia (o su fantasma) está hasta en las paredes, hasta en los ruidos de los crujidos de ellas, como si éstas hubieran guardado el sonido de sus pasos.

“...ojalá que el deseo se vaya tras de ti a tu viejo gobierno de difuntos y flores”

Y llegamos a una de las frases más polémicas de la canción y que ha dado mucho que hablar. Silvio desea mucho a Emilia, aún en el mismo momento en que está componiendo la canción. Entonces él quiere que ese deseo se vaya con ella, con su recuerdo: “se vaya tras de ti”, le dice. Pero luego lo catapulta con “a tu viejo gobierno de difuntos y flores”. Para mi, decir “difuntos y flores” es una manera de referirse a la “muerte y a la vida”, no son las flores que uno le lleva a sus muertos. El “viejo gobierno” de Emilia es algo un poco relacionado con el mundo de la literatura que a ella tanto le gustaba desde siempre. Lo intentó cambiar por la medicina, pero se dio cuenta que no era su pasión. Volvió a sus antiguos intereses, su viejo mundo de escritores, letras y las culturas que lo generaron. Para mi ese es el gobierno viejo de difuntos y flores, algo muy propio de la filología que quería estudiar Emilia. Hay una amiga que había propuesto esta otra teoría: Difuntos y Flores es una referencia al tatuaje de una calavera y una flor que Silvio tiene en su mano derecha. Entonces la teoría dice que el viejo gobierno de Emilia era el propio Silvio. Yo no creo mucho en esta teoría ya que el tatuaje se lo hizo Silvio algunas semanas antes de componer la canción y por lo tanto Emilia nunca llegó a conocer ese tatuaje como para asociarlo en la canción.

El viejo gobierno de difuntos y flores NO ES NINGÚN PAÍS que haya estado bajo el yugo de una dictadura, porque ya vimos que esta es una canción de amor, no una canción política. NO ES UNA CANCIÓN A PINOCHET O A OTRO DICTADOR. De hecho Silvio cuenta en el documental “Por quien merece amor” que en cierto periódico español un periodista cambió el texto de la canción para sostener la tesis de que “Ojalá” era una canción contra el propio Fidel Castro. Para no creerlo.

Muchas veces pasa esto. Una canción cobra vida propia y escapa de las manos del cantautor tomando los significados que muchos quieren que tenga. En el caso de “Ojalá” creo que pasó que la marcó mucho la frase “a tu viejo gobierno de difuntos y flores” en una época en que en latinoamérica habían muchas dictaduras, muchos difuntos y flores, y la gente quiso hacerla propia y darle ese sentido de lucha, de querer sentir que Silvio se cuadraba con las víctimas y apuntaba a los violadores de derechos humanos. Aún yendo en contra del propio texto, y ese para mi es el error.

En Chile, pasó que esta canción fue cantada en las radios, en plena dictadura militar, por la cantante Gloria Simonetti, y muchos encontraban polémico principalmente por estar cantando canciones de un ícono de la revolución cubana en régimen de Pinochet. Otros porque creían en la interpretación de que era una canción a Pinochet y que según he leído llevó a que Gloria cambiara la letra a “a tu viejo invierno de difuntos y flores”, por lo que leí en un artículo, aunque no me consta. Sin embargo me agrada que Gloria haya luchado por cantar la canción en la televisión, luchando contra todos los que la creían sospechosamente metafórica, claramente sin entenderla.

“Ojalá se te acabe la mirada constante
la palabra precisa la sonrisa perfecta
ojalá pase algo que te borre de pronto
una luz cegadora un disparo de nieve
ojalá por lo menos que me lleve la muerte
para no verte tanto para no verte siempre
en todos los segundos en todas las visiones
ojalá que no pueda tocarte ni en canciones.”

Dato curioso: en la grabación que conocemos como “Recital Tetralogía” que Silvio grabara el año 1970 (meses después de bajarse de sus travesías barqueras) canta “Ojalá”. En esa versión, que les linkeo en este post más abajo para que lo puedan comprobar, Silvio hace un enroque entre dos estrofas, intercambiando dos frases y quedando la canción así:

Estrofa 1: “... milagro que baja por tu cuerpo, ojalá que el deseo se vaya tras de ti, ojalá que la tierra no te bese los pasos”

Estrofa 2: “...camino cansado, ojalá que la luna pueda salir sin ti, en tu viejo gobierno de difuntos y flores.”

En la grabación original que se muestra en el documental "Ojalá", se mantiene el mismo orden del texto que conocemos de la versión editada, por lo que asumo que el cambio fue un experimento de Silvio que nunca le gustó mucho.

Finalmente quisiera listar algunos datos concretos de la canción “Ojalá” que puedan servir para ubicarla, entenderla y desmitificarla un poco de lo manoseada que está, al punto de que los silviófilos ya no quieran ni tocarla ni escucharla, al menos en público:

a) La canción fue compuesta el 23 de diciembre de 1969.
b) Muchos creen que Silvio la compuso a bordo del motopesquero “Playa Girón”, sin embargo no es así. Silvio la compuso a bordo de la nave “Océano Pacífico” a la cual había migrado a pocos días de estar en el “Playa Girón”.
c) No es una canción contra Pinochet ni contra algún gusano imperialista. Pinochet tomó el poder por la fuerza el año 1973, 4 años después de que Silvio la compusiera.
d) Silvio nunca dice nievi. Claramente dice NIEVE.
d) Ojalá es una canción de amor (o desamor según se vea). Es impresionante la cantidad de páginas que podrán encontrar en internet en donde muchos analizan la letra de Ojalá y la hacen calzar con que es en contra de Pinochet, por nombrar lo más mencionado. Ojalá no lo sigan haciendo. Ojalá.

Middle of the Road - Chirpy Chirpy Cheep Cheep -1971

Un tema famoso de 1971, el grupo escocés irrumpio con su primer éxito. Primeros lugares en las radios del mundo. En perú también tuvo mucho éxito

Considerando que tu mamá se ha ido?
Pequeño baby Don
Don bebé
Donde está tu mamá?
Considerando que tu mamá se ha ido?
Lejos, muy lejos
Donde está tu mamá?
Considerando que tu papá se ha ido?
Donde está tu papá?
Considerando que tu papá se ha ido?)
Pequeño baby Don
Don bebé
Donde está tu papá?
Considerando que tu papá se haido?
Donde está tu papá?
Considerando que tu papá se ha ido?
Lejos,
muy lejos
Lejos,
muy lejos
Ayer por la noche,
oí a mi mamá cantar una canción
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros, Chirpy,
Chirpy, Cheep, Cheep
Me desperté esta mañana
y mi mama se había ido
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros,
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep,
Chirp Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep, Chirp
donde está tu mamá ahora?
Considerando que tu mamá se ha ido?
Donde está tu mamá ahora?
Que tu mamá se haido?
Pequeño baby Don
Don bebé
donde está tu mamá ahora?
Considerando que tu mamá se ha ido?
donde está tu mamá ahora?
Que tu mamá se ha ido?
Lejos,
muy lejos
Donde está tu papá ahora?
Considerando que tu papá se ha ido?
Don de está tu papá ahora?
Considerando que tu papá se ha ido?)
Pequeño baby Don
Don bebé
Don de está tu papá ahora?
Considerando que tu papá se ha ido?
Donde está tu papá ahora
Considerando que tu papá se haido?)
Lejos,
muy lejos
Ayer por la noche,
oí a mi mamá cantar una canción
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros,
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Me desperté esta mañana
y mi mama se había ido
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros,
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep,
Chirpy Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep, Chirp
Vamos a ir ahora
Ayer por la noche,
oí a mi mamá cantar una canción
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros,
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Me desperté esta mañana
y mi mama se había ido
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros, Chirpy,
Chirpy, Cheep, Cheep
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep,
Chirp Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep,
ChirpyASyer por la noche
oí a mi mamá cantar una canción
Chirpy, Chirpy, Cheep, Cheep
Ooh-Nosotros,
Asi se repite desde lo de mi mamá se había ido, la letra es un poco monótona

 

Grupo BONEY M, todo un clásico

Esta canción del grupo Bonney M salió al mercado en el año 1.976 en un single junto con otra canción titulada “No woman no cry”. Otro éxito de los 70

El origen del grupo está en un experimento que realizó Frank Farian lanzando la canción Baby Do You Wanna Bump? con músicos arreglistas y cantantes de estudio de imagen desconocida. El experimento alcanzó tal éxito en Holanda que Farian decidió sacarlo a la luz en forma de grupo, con el nombre de Boney M (Boney era el nombre del personaje de una serie de televisión de Australia).

Aunque el grupo tuvo cambios en sus miembros, Maizie Williams siempre estuvo desde el principio. Claudia Berry, una de las primeras integrantes, no satisfecha con ser simplemente cantante de estudio, lo abandonó de forma inesperada en febrero de 1976, días antes de que el grupo apareciera en un programa de televisión en Sarrebruck. Marcia Barret recomendó a Liz Mitchell, que entonces estaba en paro y había sido miembro de Les Humphries Singers, para que reemplazara a Claudia en el programa. Farian quedó impresionado con su actuación y entró a formar parte del grupo y de la grabación de su primer LP, Take The Heat Off Me.

Otras canciones que Farian había grabado previamente con Marcia Barrett, la otra vocalista, fueron Lovin' Or Leavin' y Daddy Cool, que también entraron a formar parte de aquel primer LP. La respuesta comercial al álbum fue tibia. Sin embargo, el grupo actuó por clubs y ferias del país para promocionarse y ganar reputación. La gran oportunidad vino al final de ese verano cuando el productor musical de TV Michael “Mike” Leckebusch, de Bremen, solicitó una actuación para su programa Musikladen. Boney M apareció en directo el 18 de septiembre de 1976 a las 10 de la noche con su propio espectáculo. Al final de la semana siguiente Daddy Cool fue nº 1 en Alemania. A partir de entonces todo vino rodado.

A pesar de su éxito con Boney M, la controversia siguió al fundador del grupo, Frank Farian, porque estuvo implicado en el escándalo de Milli Vanilli. Al contrario que este dúo, en Boney M tanto Bobby Farrell, la cara masculina del grupo, como Maizie Williams cantaban en las grabaciones. Nadie ponía en duda que sus directos eran vivos y altamente competentes, destacando el baile innovador de Farrell.

El 30 de diciembre del 2010 Bobby Farrell de 61 años fue encontrado muerto debido a un ataque al corazón, en una habitación de hotel en San Petersburgo, ciudad en la que se encontraba de gira. Su cuerpo fue repatriado a Holanda el 3 de Enero de 2011, sus funerales se realizaron el 8 de Enero y por primera vez en más de 20 años, Liz Mitchell, Maizie Williams y Marcia Barret se juntaron para despedir a Bobby Farrell.

La música rock

Desde 1954 en que naciera este género musical, cientos de autores han querido clasificarlo como un fenómeno popular, pasajero y sin trascendencia cultural; pero a diferencia de lo que normalmente se conoce como música pop ¿Qué es lo que le hace peculiar e inperecedero? Por una parte, el término Rock& Roll del idioma inglés, se traduce como "piedra (eslabón inicial) ... y rollo" (consecuencia de ideas),  reales gracias a la inventiva de una sociedad anglosajónica, transformada por dos guerras mundiales, e influenciada por el folklore del resto del Mundo. Ambos términos se unieron para responder a las preguntas existencialistas, así como se justifican grandes ciencias del conocimiento como la Filosofía, el Álgebra e incluso la Administración. ¿Quién soy? ¿qué es lo que hago aquí? ¿y cual es la razón de ser de las cosas que me rodean? Podemos pensar por tanto que coexisten por la perpetuidad de la especie humana en la segunda mitad del siglo XX, la cual ha sobrevivido a la amenaza de la guerra nuclear. Muchos podríamos suponer que "rock&roll" significa "muevanse y agítenlo" como si se tratara de un baile aborigen más viejo que la escritura.  La verdad es que el movimiento rockero es tan tuevo como el proceso de desarrollo de los paises del tercer mundo y debido a ello merece cierto respeto por parte de las comunidades latinas,  islámicas y orientales;  las letras de ciertas canciones representan críticas bien fundamentadas.

     El origen del Rock, según la enciclopedia española SALVAT, lo encontramos dentro del mismo pop, que ha sido y sigue siendo el principal exponente de la evolución de la nueva cultura, llamada también contracultura. Cuando los jóvenes teenagers americanos. Superada ya la crisis económica de postguerra, empezaron a constituir un grupo con poder adquisitivo, gustos y personalidad, y gustos distintos de los de sus padres; sin embargo hubo quienes perdieron a sus progenitores tras la Segunda Guerra Mundial, y se vieron en la necesidad de "afrontar solos al Mundo" como es el caso de los mejores compositores. El rock resultó de la fusión original de tres corrientes musicales ya existentes en la primera mitad del siglo. El jazz y el folk son típicos del folklore norteamericano, sobre todo por ser "musica de blancos"; el sonar de metales así como el baile nativo "tab" de los años 20's; pero por sí solos no provocaban la agresividad mostrada por la juventud norteamericana de los años 50´s. Los valores morales eran distintos tres décadas atrás, cuando se pensaba que la productividad salvaría a los Estados Unidos de una El blues por su parte, es de negros, y fue en su tiempo considerado por su estatus de desconocido como subterráneo a nivel nacional en los Estados Unidos de una recesión económica, la cual se produjo a fin de cuentas tras el "jueves negro" de 1929 y empezó "la gran depresión".

     Antes del ataque aéreo japonés a Pearl Harbor el 9 de diciembre de 1941, esa nación tenía sobrepoblación en el sector desempleado de la sociedad; todos fueron reclutados y enviados al frente junto con sus instrumentos musicales para tocar jazz a los demás soldados. Tras la guerra, la población disminuyó y la economía se reactivó; el gobierno aprendió que la guerra es el negocio más provechoso del Mundo, y la gente pudo dedicarse a lo que le viniera en gana, como fue el caso de músicos ociosos (ej: Bill Haley). A excepción del folk, el jazz y el blues son considerados ritmos salvajes; éste último incluso puede tener sus raíces en la música afroamericana que muestra un espíritu de inconformidad y depresión por la esclavitud que sufrió su gente en el pasado. Hay quienes piensan que el blues surgió de los creyentes en el budú y demás ritos satánicos (de ahí también que se creé lo del mensaje subliminal de las canciones tocadas al revés). Resulta difícil diferenciar unos de otros, pero en 1954, Bill Haley hizo pública su Combinación de Estilos  a través del material discográfico; tuvo un perfil artístico que lo hacía inconfundible en las audiencias que comenzaron al compás del reloj.  Fue así como nació el rock&roll de blancos,  como un fenómeno popular.

     ¿Y porqué no decir un fenómeno de masas? Bien, pues hay que tomar en cuenta la enorme lista de estrellas de rock que le siguieron a Haley,  no sólo músicos, sino también actores de cine como James Dean, estelar de la película El Rebelde sin causa. Y vaya que sí es un buen calificativo para los fans del rock, ya que en muchos casos produce repercusiones mentales como tips nerviosos, ansiedad, impaciencia, etc. Dos años después de rock around the clock surgió de la incógnita el primero y más clásico "sex simbol" del movimiento: Elvis Presley, el "rey". Cabe señalar que muchos rockeros famosos se adjudican pseudónimos como este. Hijo de familia acaudalada,  Elvis soñaba desde chico en hacerse  actor de cine, pero al estar presente la oportunidad no resultó mejor que como cantante, y propagó el movimiento al otro lado del Océano Atlántico.

     Mientras esto sucedía en el primer mundo anglosajón,  en México la costumbre de escuchar música clásica perduraba, incluso en zonas rurales se acostumbraba aún la música nacional. Aquí se escuchaban temas musicales de película, esto es, si Pedro Infante y Jorge Negrete cantaban canciones no tan famosas en sus filmes, estas canciones se volvían regla al venderse discos de película. Por esto, los americanos siempre pensaron que, aparte de que éramos indígenas ignorantes, no gozábamos de un buen gusto musical; y resultaría obvio que nunca se escucharía rock en México. Por desgracia o por fortuna resultó que sí, incluso en el momento de nacer el rock en 1954 a través de "yankees" descendientes de mexicanos como el cantautor Ritchie Valens; según la película de 1986 La Bamba, este joven latino murió en un accidente aéreo a los 17 años de edad, junto con otro rockero llamado Bobby Holly. Parecía en un principio que nuestro pais se salvaba de una oledada de anticultura seguida de un comportamiento vándalo inducidos por la música rock en los Estados Unidos y la Gran Bretaña, pero solo fue cuestión de tiempo. Los Rebeldes del Rock surgieron para interpretar versiones en español de canciones originalmente compuestas en inglés por músicos de soul y gospel tales como los Everly Brothers, Frank Sinatra y sobre todo rockeros como Eddie Cochrain.

     A fines de los 50's surge un raro baile rockero que se puso de moda en el periodo 1961-63: el twist (torcido) y este "se agradece" a intérpretes como Tony Sheridan (que en 1982 apareció en un documental sobre los Beatles) y el mismo Eddie Cochrain, analogado como uno de los más cúspides de su tiempo; entre el '57 y el '59 plasmó sus 40 composiciones incluidos en tres discos de larga duración. Cochrain murió en 1960 en accidente automovilístico, autor original del hit "summer times blues" interpretado por The Who en 1970 y en español por estrellas de Televisa titulándola "popotitos".

1. En los años cuarenta los discos de vinilo eran de 78 revoluciones por minuto,  y cuando aparecieron las consolas que reproducían fonogramas en 33½ r.p.m. se les llamó LP´s (long play, disco de larga duración).
   
2. El Beat es la repetición alternada y constante de los bajos y percusiones. Desde que se inventara el sintetizador, éste     ha formado también parte del beat tal y como lo demuestra la máxima figura del Soul, James Brown. Este instrumento  se lo debemos a un mexicano, invidente, del cual no tenemos datos.
   

 

Cuando el Rock Perdió su Roll.

Comienzan los años 60's, y mientras en Norteamérica se lucían los solístas rockeros y duetos de soul, en Europa surgió la competencia a base de cuartetos como los Beatles y quintetos como los Rolling Stones. The Silver Beatles aparecieron por vez primera tocando en centros nocturnos del puerto de Liverpool en 1957, conformado originalmente por el protestante John Lennon (creador del grupo), el católico Paul McArtney, el anglicano George Harrison, y un plebello sin trascendencia llamado Pit Best que en 1960 fuese reemplazado por Richard Starkey (Ringo Starr); quedando así la legendaria alineación del "cuarteto de Liverpool", The Beatles. Fueron estos ingleses la chispa que encendió el fenómeno "Invasión Británica" en la cual se incluyen los siguientes grupos, algunos disueltos antes determinar la década y otros creando su propio estilo.

• 1962: debutan The Rolling Stones lidereados por Mick Jagger y Keith Richards, con el disco "the England Second New Hits Makers"**.
  
• 1963: el quinteto The Spectres hace lo suyo con el sencillo "I´m who have nothing" después interpretada en español por E. Guzmán. En 1968 cambian de nombre al popular Status Quo.
  
• 1964: Aparecen los Kinks ("you really got me"), Erick Burdon & the Animals ("house of the rising sun"), y The Who ("my generation").
  
• 1965: Pink Floyd, pioneros del rock progresivo, debutan con el disco "More" (algunos ingenuos piensan que el primer disco fué The Pipper at The Gates of Down de 1966). No logran fama sino hasta 1973 con "Dark side of the Moon".
  
• 1966: The Moody Blues y Procol Harum, ambos grupos exploran la sinfonía para aplicarla al soft rock.
  
• 1967: Jimy Hendrix, padre del hard rock en Estados Unidos y el Mundo, influye a Deep Purple y Black Sabbath, ambos de Inglaterra.
  
• 1968: Surge Led Zeppelin, que en los años 70´s llevó el hard rock a la cumbre de popularidad en todo el Mundo, contó con el mejor baterista de su década.
  
• 1969: Genesis, el peor de su época liderado por Peter Gabriel, no consigue fama sino hasta los años ochenta.
  

Dado que las presentaciones inglesas en ciudades como Nueva York y Pholadelphia iban seguidas de suicidios y vandalismo, los condados americanos emprendió una campaña anti-británica por lo que se culpó a los Beatles de ser los Anticristo, que a fin de cuentas sirvió como pretexto para promocionar a las estrellas americanas que participaban del "mismo delito".

    Uno de los más conocidos en Estados Unidos durante los sesenta fue Bob Dylan, autor de la Música de Protesta, nació en 1941 con el nombre de Robert Zimmerman. Es el más importante entre los cantautores que han revalorizado y difundido el folk song o música popular de los Estados Unidos. Sus canciones están centradas en la crítica de la sociedad burguesa, materialista e inhumana; debutó en 1962 y entre sus canciones descuellan "Blowing in the wind"; su primer gran éxito mundial, "Like a rolling stone" (1965); y "subterranean homesick blues" entre otras.

     Durante la primera mitad de los 60's se gozó de un rebelde alarido convertido en amoroso susurro (Beatles, Beach Boys, Simon and Garfunkel, the Byrds, Dave Clark Five, Buffalo Springfield, etc..)   pero en la segunda mitad de esa década, el rock pierde su buena reputación debido al movimiento Hippie. Los protestantes anglosajones constituyeron este movimiento comunitario. penetrado de una mística literaria,  pacifista  y de oposición a la sociedad de los años 60´s,  considerada en aquel entonces "caduca". Originado también en los Estados Unidos, representa una continuidad del movimiento beatnick al cual injertaron principios del budismo, cristianismo protestante, y de ideologías nihilísticas ó utópicas, así como de algunos autores contemporáneos: Marcuse, Thoreau, Timothy Leary, etc. En 1970, como rasgo característico, abandonaron las ciudades y constituyeron comunidades agrícolas, aunque estas no progresaron. En su rechazo de la "sociedad de consumo" incluyen un retorno a la naturaleza junto con la búsqueda paradójica de un mundo ideal, artificial sólo a ellos, revelado en las prácticas psicodélicas y a través de drogas alucinógenas. Posteriormente, su interés se ve centrado en las tradiciones indígenas de Norteamérica, pero el movimiento se fue degradando progresivamente y "recuperado" por la propia sociedad de consumo a la que atacaban, al trivializar y comercializar esta temática hippie.

Los Festivales de los 70's

Coincidiendo con los movimientos estudiantiles en México y en Francia, terrorismo en el Ulster,y expresionismo sajón, se organizó en el verano de 1967 (verano del amor) un festival musical en el Golden Gate Park de San Francisco, en el cual se elogiaban las canciones más populares de los Beatles; fue el primero de su especie, pero no asimilaba tanta gente, pero sí la asimilación comercial y la represión administrativa que acabaron con el barrio hippie de High Ashbury. Sin embargo, la nueva cultura siguió y volvió a unirse a la música en septiembre de 1969 en Woodstock: 400 mil jóvenes se dieron cuenta  de  que  no estaban solos. Participaron personalidades como  Bob Dylan,  Joe Coker,  The Who,  Jefferson Airplane, Grateful Dead, Jimi Hendryx, y Janis Joplin, entre otros.  Esta uacute;ltima, fue una de las primeras voces femeninas del rock, así como Joan Baez, gran voz de la canción de protesta que intervino en el Folk Festival de Big Sur en California.

     Luego también el Festival de Altmont en el cual se desató la violencia. También los Beatles contribuyeron a ello con su separación  y  su triste  testamento:  "habrá una respuesta,  deja que ocurra… había un  largo y sinuoso camino  qué recorrer". Según manifestaba Jerry García (Grateful Dead), "el cambio ha ocurrido ya. Estamos viviendo posfacto en una era postrevolucionaria en donde lo que queda por hacer es barrer los restos del pasado". Pero John Sinclair (White Panthers) que afirmaba antes "el rock ha sido la fuerza motriz de mi vida, estuvo politizado desde que emergió en el espíritu de la América del Plástico" dijo en verano del '71 "el rock es una energía poderosa que ataca una cultura inhumana de muerte; está en un tremendo marasmo,  y nuestra cultura no tiene nada que ver con lo que debería ser. La música que oímos,  y las condiciones en las que la escuchamos, no son las de hace unos años. Estas condiciones se relacionan con la corrupción de la cultura de muerte contra la que el rock se levantaba.     "Sabíamos que podíamos cambiar el mundo y el mundo lo sabía bien. Nos han atacado,  han asimilado los elementos menos peligrosos, y han reprimido los elementos más libres". Quizá a esta sensación de Sinclair obedezcan los suicidios de Hendryx y Joplin en el '70 y de Jim Morrison en el '71.

     Al crear esta sensación de impasse influyó también el cierre del Fillmore East de Nueva York el 27 de junio del ´70 y del Fillmore West de San Francisco el 4 de julio,  ambos propiedad de Bill Graham,  el hecho puede calificarse de maniobra vagamente comercial, ya que Graham siguió celebrando conciertos en otros locales.  Por otro lado, el Royal Albert Hall de Londres se declaró cerrado para conciertos de rock debido a los incidentes producidos en la presentación de la agrupación americana Creedence Clearwater Revival. El Albert Hall fue importante para la música pop desde que los Beatles tocaron en el ´67. No se había celebrado el festival del año como en su día lo hubo, pero los festivales locales y únicos han abundado.

     Aunque no sea propiamente un festival, el acontecimiento musical más importante de su año fue el Concierto a Beneficio de Bangladesh, celebrado en agosto del '71 en el Madison Square Garden de Nueva York. Por primera vez desde que Let it be fuese grabada, 2 miembros de los Beatles se reunieron para actuar. El festival lo había organizado Harrison, en compañía de Ringo Starr, Erick Clapton, y Billy Preston, entre otros. Bob Dylan, que no había actuado en público desde el festival de Wight en 1969 apareció también entre los amigos de George. El acontecimiento reunió a 40 mil personas, lográndose recaudar 35 millones de pesetas que, unidos a las ventas del LP-triple The Bangladesh Concert***, la canción de Harrison del mismo título, y el producto de la película filmada durante el concierto, se estima que llegó a mil millones de pesetas en ese año.

• Estados Unidos {rock sureño> Allman Bros. Band ('69); Eagles ('71); Lynyrd Skynyrd ('73); Graham Parker ('76) y; Southside Johnny & the Ashbury Jukes ('78).} {hard rock> Jerry Lee Lewis ('70); y Bruce Springsteen ('71).} {progresivo> Steve Miller Band ('73); Journey ('74); Kansas ('75) y; Boston ('76).}
  
• Reino Unido {sinfonia rock> Queen ('72); Eectric Light Orchestra ('73).} {punk> Sex Pistols ('73); The Motors ('75) y; The Clash ('77).} {progresivo> Jethro Tull ('69); Hawkwind ('71) y; Supertramp ('75).}
  
• Francia {Eddy Mitchell, Dick Rivers, y Johnny Hallyway.}
  
• Canadá {The Ghess Who ('69); Emerson, Lake & Palmer ('70); Yes ('71); Rush ('74) y Triumph ('78).}
  
• Alemania {progresivo> Nektar ('69); Jane ('70) y; Eloy ('75).}
  
• España {Los Bravos, Miguel Rios}
  
• México {La Revolución de Emiliano Zapata ('69); The Spiders ('71); Three Souls in my Mind ('68).}
  

Los Spiders llevaron el rock tapatío a la cúspide en Inglaterra y los Estados Unidos más que en México por cantar en inglés. Se formaron a fines de los 60's con un vocalista extranjero llamado Tony Vierling, y su album debút Back*** de 1971 muestra una clara influencia del hombre que los apoyó y del estilo que adoptaron:  Erick Burdon, de los Aminals ingleses.

     Por su parte, la evolución de Emiliano Zapata era 100% tapatía, pero su apoyo publicitario lo deben a Bob Dylan, que en cierta visita a Guadalajara fue reconocido en la calle por estos jóvenes emprendedores; lo invitaron a escuchar sus trabajos caseros, y Dylan les ayudó a llegar hasta un estudio profesional. Desde entonces, la "Revolución de Ciudad Granja" se mostró también influenciada por otra gran personalidad del rock universal.

     Quizá suene irónico negar que estos grupos del rock tapatío hayan sido malinchistas durante todo su trayecto musical por cantar en ingles. Pero en su época, en España y Alemania, los grupos locales hacían lo mismo, con la intención de acaparar más público y mas mercado para vender sus producciones. Ya en los 80's, se dio importancia al showbinismo musical (que es todo lo contrario al malinchismo) tanto en el ambiente del rock, así como también con el folklore nacional y los activistas que desde un principio han atacado al rock.

El Folk

La influencia de folklore estadounidense está presente en las expresiones del jazz, ya se trate de cantos anglosajones escogidos, en sus primeros tiempos, o bien de la utilización de instrumentos exóticos desde los años 60's. Este movimiento adquiere su autonomía con el nombre de música folk, y revela un predominio de fuentes celtas.
     Los ritmos jamaiquinos han dado impulso al estilo reggae en un regreso adecuado a los elementos afroamericanos; nacido en el ghetto, el movimiento rastafari tomó fuerzas en los albores de la independencia de Jamaica en 1962 y desde entonces expresó sus esperanzas de retomar raices. El Folk se inspira también en cantos de viaje, donde el vagabundeo se denomina "libertad".

El Rock en Pantalla Grande.

Detrás de cada estrella de rock hay un representante o productor, a excepción de algunos como Bruce Springsteen que desde su debút han querido valerse por sí mismos y administrar su propio trabajo. Pero ya sea un representante o la estrella en sí, han buscado explorar más y más recursos publicitarios existen a su alrededor. El cine, por ejemplo, había ya alcanzado grandes progresos en los 70's;. Primero, las películas a color policromáticas, más avanzadas que las primeras de color de fines de los 50's; y segundo, la reducción de los costos de producción.

     Así como en muchas otras cosas, los Beatles fueron los primeros en filmar su música, incluso con trama y el género de comedia, aunque los filmes fueran meros «churros». Sin embargo, en los 70's los grupos rockeros optaron por concentrarse en su estilo, y el hecho de adaptarlo de algún modo agradable a las escenas de la película ya iba por cuenta de un especialista como lo es el director de cine. Otro cuarteto, pero de Londres, Pink Floyd, no solo fue el mejor de su década, sino además el privilegiado de plasmar su música en la película "The Valley" con material del disco Obscured by Clouds** del '72; esto animó a sus integrantes para Viajar a las ruinas de Pompeya, Italia, y filmar un "concierto en privado" para su mismo personal de apoyo, con efectos de camara novedosos en su epoca. Ésta filmació incluye material del disco Meddle***, un tema compuesto para la ocasión, y los primeros trabajos del Dark Side of the Moon.
     Otras muestras de cinerock llegan a nosotros por la obra del director Brian De Palma: El Fantasma del Paraíso de 1974; música para la ocasión con influjo de rockabilly, hard rock, y soft rock. en la letra de Paul Williams. Así como se hizo lujo de rock progresivo en la producción Pink Floyd in Pompeii, Led Zeppelin no se queda atrás; estos filman The Song Remains the Same con efectos especiales y escenas del concierto celebrado en Nueva York durante una gira conmemorativa de su quinto aniversario en 1973.

La Música "Punk"

En la segunda mitad de los 70's, la música pop acaparó parte de la audiencia rockera; muchos jóvenes yankees preferían buscar pareja y salir a bailar música disco en lugar de quedarse a escuchar música rock en sus hogares. Como alternativa para los chavos "rechazados", el hard rock cambió, y de entre los más pesados estilos de rock en todos los tiempos, el punk es el mejor. Curiósamente, el término punk es un modismo en Inglaterra usado para identificar lo prostituído ó depravado, así como en los Estados Unidos los greñudos que pasan por las calles citadinas, son llamados "stoners". Los primeros aspectos punk (de pandillero) aparecieron en el Reino Unido a fines de los 60's, y a diferencia de los punk-rockers, estos malvivientes degeneraban su aspecto con un peinado estilo Bart Simpson.

     The Clash es un conjunto de punk cuyos integrantes con aspecto del clásico rebelde sin causa, cambiaron de "look" a algo más acorde con su música. Pero aún siendo un fenómeno británico, los mejores punkeros fueron los neoyorkinos «Ramones» que hasta los años 90´s siguieron grabando discos y presentándose en concierto. Una posible cáusa de unión a través del tiempo puede ser que dos "Ramones" son hermanos, y siempre se han sentido orgullosos de no se una agrupación desunida "como los Sex Pistols, su bajista original (Syd Vicious) murió por sus excesos con las drogas, y el vocalista siempre pensaba en sus proyectos indicidualmente" declaró Dee Dee Ramone tras su último concierto en Latinoamérica (1997).

La Nueva Onda y el Metal Pesado

La década de los 80's no sera la más importante o famosa, pero si la mas polémica: un gran avance en sonido, el aspecto "brocoli" en el look de los rockeros, los pantalones de cuero sintético, en fin. Y por muchas cosas más; es en esta época cuando muchos fans realmente se "pierden" o fanatizan por estrellas como Ozzy Osborne. El New Wave y el estilo darky son la consecución lógica que lograron los nuevos músicos influidos por el punk, aunque resaltan el "techno" y asienta las bases para el pop-dance de los 90's. Esto se hizo odioso para algunos críticos, que buscaron nuevos horizontes musicales y los encontraron en el rock sureño que se estaba popularizando en los Estados Unidos. Irónicamente, Jackson Browne hizo más famosa su versión de "Stay" en la República Mexicana que en su país natal. "La Segunda Invasión Británica" combina además el progresivo de los 70's.
    Cabe recordar que una de las formas de publicionar los nuevos discos de un grupo fue el cine, pero con el nacimiento de los videoclips se llegó también a la pantalla chica. Los Buggles, de Canadá, tuvieron el privilegio de ser los primeros en filmar el primer videoclip emitido por el primer canal de televisión para pura música pop; Video Killed the Radio Star (el Video mató a la Estrella de la Radio) marcó el nacimiento del MTV el 1º de agosto de 1981 desde Nueva York para el Mundo entero. Su lider, Trevor More, decidió disolver a la banda tras la salida del keyboard master Geoff Downes, quien al año siguiente formó junto con el guitarrista de Yes, Steve Howe, la agrupación Asia; como una de las últimas de rock progresivo. En esta banda se incorporó tambien al baterista Carl Palmer (de Emerson, Lake & Palmer) y al vocalista John Wetton (de King Crimson).